Wednesday 30 April 2008

Aquellos Viejos Discos (Leon Thomas)






"Full Circle 1973"

















1-Sweet Little Angel
2-Just in Time to See the Sun
3-It's My Life I'm Fighting For
4-Never Let Me Go
5-I Wanna Be Where You Are
6-Got to Be There
7-Balance of Life (Peace of Mind)
8-You Are the Sunshine of My Life.

Joe Beck-Guitar
Neal Creque-Piano,Piano(Electric)
Lloyd Davis-Guitar
Richard Davis-Bass,Bass(Electric)
Richard Dickler-Viola
Pee Wee Ellis-Sax (Soprano),Sax(Tenor)
Joe Farrell-Sax (Tenor)
Cal Fleisig-Viola
Emanuel Green-Violin
Guildhall String Ensemble
Carl Hall-Vocals
Leo Kahn-Violin
Richard Landrum-Percussion
Herb Lovelle-Drums
Joseph Malignaggi-Violin
Sonny Morgan-Percussion
David Nadien-Violin
Gene Orloff-Violin
Jimmy Owens-Trumpet
Raoul Poliakin-Violin
Bernard "Pretty" Purdie-Drums
Alan Shulman-Cello
Anthony Sophos-Cello
Leon Thomas-Marimba, Vocals
Tasha Thomas-Vocals.

Tuesday 29 April 2008

Pink Floyd - Live 8






Live 8, fueron una serie de conciertos que se celebraron simultáneamente en julio de 2005 en distintos puntos del mundo en contra de la pobreza, mediante la organización Make Poverty History. Su nombre proviene del de Live Aid (concierto benéfico que recaudó unos 79 millones de libras esterlinas para los países pobres, celebrado en 1985) y del G-8. A diferencia de Live Aid, la campaña Live 8 no pretendía recaudar fondos directamente, sino concienciar a las sociedades (especialmente a las de los países del G-8) y que presionasen a sus gobernantes para acabar con la pobreza.
El marco Live 8 fue impulsado por el cantante, compositor, actor y activista político irlandés Bob Geldof.

Acá les dejo la actuación de Pink Floyd en DVD.

Monday 28 April 2008

Dario Reinosa - Atlante (2000)

Darío Reinosa nació en Montevideo, URUGUAY el 24 de mayo de 1959. Es músico autodidacta desde los 7 años, salvo un breve período donde estudió armonía con el maestro Esteban Klisich en el año 1984. Fueron dos meses muy productivos para Darío, pero no para Esteban, mientras pudo soportar su falta de disciplina y respeto al método. En consecuencia, su aprendizaje ha consistido siempre en la observación, nutriéndose de su contacto con talentosos músicos uruguayos (de los que hay muchos) y escuchando a los grandes maestros internacionales de todos los géneros. Es mas que nada un cantante, que experimenta con todo tipo de instrumentos. Su actividad como músico ha sido muy discontinua, como la de actor, humorista, escritor o futbolista. Las ha ido alternando y en oportunidades ha tratado de combinarlas, con curiosos resultados. Actualmente está trabajando en su segundo CD solista y en un proyecto de canciones infantiles sobre improvisaciones de su hija, Rafaela Reinosa de 5 años.
"Nota de Juan Malberto".

Brecha 880 11/October/2002. EL OCHO - CRÍTICAS. Darío Reinosa.
Primer disparo de un viejo tirador. Darío Reinosa tiene 43 años y figuró como cantante, guitarrista y compositor a partir de 1970, cuando tenía 11.
Nunca estuvo en la primera línea, y no por falta de talento sino porque sus incursiones fueron esporádicas y dispersas.
Recién en los últimos noventa empezó a actuar regularmente como percusionista (acompañando, entre otros, a Rossana Taddei y al Cabra Quinteto).
Explorador y creativo en ese terreno, empezó a sorprender a quienes no lo conocían de antes: "Qué bien canta el percusionista" (algo especialmente meritorio al lado de una voz espectacular como la de Rossana Taddei).
En realidad se trata más bien de un cantante que se reveló percusionista, y no el aparente contrario. Su primer disco* contiene canciones compuestas a partir de 1991, se empezó a grabar en 1998 en forma independiente y fue concluido en 2000.
Entre un nivel brillante y uno decoroso, Darío canta, toca percusiones, distintos tipos de guitarras, flautas, teclados, batería, bajo, armónica y cazú.
Por si fuera poco ese despliegue individual, cuenta con un equipo acompañante estelar, que incluye, entre otros, a Hugo y Francisco Fattoruso, Mariana Ingold, Nicolás Mora, Rafael dos Santos "Funfu", Popo Romano, Berta Pereira, Francisco Lapetina y muchos otros instrumentistas de primera.
Juan Carlos Ferreira comparte con Reinosa la muy competente producción (su estilo coincide de tal manera con los trabajos autorales de Ferreira que es difícil saber hasta dónde va la colaboración de uno y de otro, o si se trató simplemente de una enorme y rara empatía de gustos y propósitos).
La influencia predominante y clara es la de Djavan: hay muchos elementos de estilo, procedimientos, ámbito afectivo y "aire" que remiten al alagoano (quedan especialmente en evidencia cuando Reinosa asume el sonido Ronnie Foster del Djavan más difundido, como en "Primer disparo").
Es un ámbito que, de por sí, ya implica dificultades técnicas que el equipo sortea con solvencia. Pero no hay dependencia del modelo. No se meten en experimentos rítmicos tan radicales, no usan ritmos ni modalismos tradicionales brasileños, y cuando incursionan en uruguayeces (candombe, murga, tango) la referencia a Djavan desaparece.
Hay además unos intentos muy personales entre el humor, el absurdo, lo fragmentario y lo grotesco. La versión de "Uno" tiene ese término medio entre la sátira y el sentimiento genuino que caracteriza las interpretaciones tangueras de Rada.
Darío tiene una gran técnica vocal, y prefiere elementos de emisión de jazz de la generación de Al Jarreau, aunque no carga en el uso de la "voz como instrumento", prefiriendo explorar las modulaciones de matices en notas largas (especialmente unos muy expresivos agudos roncos).
Se tira además a imitaciones bien hechas de cantaor flamenco, tanguero y murguista.
Las letras están muy bien hechas en lo sonoro, en la variedad de vocabulario, riqueza e imprevisibilidad de rimas y de evocaciones. Se ubican en un mundo vago, donde las "historias" o situaciones quedan apenas insinuadas.
Como suele ocurrir en las músicas influidas por el jazz-rock, dominan las expresiones de "relación suinguera con la magia de la vida" (algo que Djavan también tiene, aunque se escapa con frecuencia para exponer estados angustiosos o depresivos).
Algunos de los muchos (¡21!) surcos del dc parecen ser ocurrencias improvisadas, de esas que en un ámbito doméstico cercado de implicancias emocionales extramusicales se revisten de una magia que parece motivar su inclusión en el fonograma.
Puede ser que en este contexto público y menos personal no se preserve el encanto original y quede tan sólo su cáscara -la idea de que la magia estuvo en algún momento-.
Pero Darío se tira a todo con una rara convicción, intensidad y competencia.
Guilherme de Alencar Pinto .


"Atlante (2000)"
Amaquí
Besos en los ojos

Bichito del señor
Bonus track

Cachorra Luz
Cada gota
Cada paso

Cuerdas

De mi color en vos
Guyunysa en París

Lástima
Mecomolasese

Muñequita linda

New York sabía

Peluche
Sin grises

Tampoco Venus

Uno
Uruguayos campeones (1prt)
Uruguayos campeones (2prt).
MySpace


(Quisiera agradecer a mi amigo "Maldonauta" por todo este material nuevo y desconocido para mi,al estar lejos del Uruguay por una punta de años siempre sera muy difícil estar al día con lo que pasa en el viejo Montevideo...)

Pablo Traberzo Banda - Un Peso 2003

Cuando una guitarra suena tan bien que parece que estuviera tocándose sola, y la banda que lidera tiene tal contundencia que da la sensación de que todos los sonidos estuvieran fluyendo de esa guitarra; uno no puede sacarle la viste de encima. Así es la protagonista de la Pablo Traberzo Banda: una Gibson SG color rojo oscuro que se retuerce en gritos y se regocija en murmullos que al oído encantan.

Su rol protagónico podría significar la opacidad del resto de los instrumentos, pero imposible sería negar que un bajo preciso y constante, una batería poderosa y una base de acordes apenas perceptible, pero en el lugar adecuado; hacen de esta música un estado perfecto de melodías bluseras.

¿Y qué hay de las cuatro figuras sobre el escenario? Pablo Traberzo, Quique Lafourcade, Gonzalo Farrugia y Adrián Hernández: simplemente pura conexión y difusos límites entre la energía humana y la que se vuelca al público desde los parlantes.

Durante la presentación daba la sensación de que Pablo Traberzo: vocalista y primer guitarra de la banda, así como dijo hacerlo el legendario Robert Johnson, hubiera pactado con el diablo: su alma a cambio de la habilidad de acariciar las cuerdas con la intensidad justa para lograr un swing realmente increíble.

Poseído por la gracilidad con que esos solos se desprendían de sus dedos, una y otra vez su cuerpo se unió a los movimientos de la guitarra, como si le estuviera haciendo el amor a una hermosa mujer.

Observar esas dos almas encarnadas una en la otra deleitó a los espectadores, quienes ovacionaron cada uno de los temas. El primer set estuvo compuesto en su mayoría por interpretaciones de grandes del blues y del rock. Sonó "Matchbox" de los Beatles, "Everyday I Have The Blues" de Chuck Berry y "Hoochie Coochie Man" de Willie Dixon.



Tras una breve pausa, la segunda vuelta vino con "Cherry Red Wine" de Luther Allison y "She Wants To Sell My Monkey" de Tinsley Ellis. Una balada instrumental blusera sin nombre que aún no ha sido incluida en ninguno de los discos se presentó como "zapada" casi sobre el final. Cualquier nombre que se le diera construiría fronteras dentro de la belleza inalcanzable del paisaje que su armonía dibuja.

Varios temas del nuevo disco: "Un Peso" fueron víctimas de esa noche de blues. "Cerca o lejos", "Faudarloy", "Me voy" y "Mi obsesión" resultaron ser los elegidos. Para la despedida: "Hasta que el cuerpo me duela".

Se podría resumir lo que se escuchó como virtuosismo o algo fuera de lo común, pero lo que hace llorar y reír a esa guitarra es una sensibilidad infinita, que lleva a cada una de las fuerzas a nacer de una misma fusión.
Viviana Scirgalea.
(DelUruguay)

"Un Peso 2003"
Azul
Cerca o lejos
Desde el sol
Despierto y solo
FaUdarloy
Hasta que el cuerpo me duela
i.v
Indigo
Lo que vendrá
Me voy
Mi obsesión
Motivos
No me digas nada
Un peso.

Alejandro Ferradas - Noche Africana 1995

"Noche Africana 1995"



AjedrezAnalía
Banderas Por Banderines
Cielo Nº1
Cielo Nº2
Había Tanto De Que Hablar

La Chola
Noche Africana
Nunca Quisiste Entrar
Tiran Líneas
Tres Cruces
Vos Sabés.


WebSite

MySpace
tres cruces

Saturday 26 April 2008

Francis Andreu - Ineditos

No hay palabras para describir a Francis lo que genera arriba de un escenario. Se podría decir que es esa voz potente y grave la que hace erizar la piel de cualquiera que la escucha o que es esa personalidad avasallante la que la hace brillar desde donde se la mire. De lo que no cabe duda alguna es de lo que vuelve a Francis Andreu una esencia encantadora: el tango que le brota del alma y que le parte el pecho cada vez que una canción se desprende de sus labios.


"Francis Andreu / Inéditos"1. Milonga Sentimental
2. Apología Tanguera
3. Nostalgias
4. Garganta con Arena
5. Anclao en París
6. Las Cuarenta
7. Garufa
8. Como dos extraños
9. La luz de un fósforo
10. Desencuentro
11. Siga el Corso


El objetivo del material es colaborar con la difusión de la artista y dar la posibilidad, a quienes les guste, de escuchar todo en un solo CD (les recuerdo que no tiene, por ahora, nada editado).

(CafeMontevideo.com)

Información de Francis Andreu: DelUruguay.net

Friday 25 April 2008

Allman Brothers






"Allman Brothers - Live at Great Woods (1991) DVD"


Allman Brothers Live At Great Woods
1991 September,6

Gregg Allman: Organ, Vocals, Guitar
Dickey Betts: Guitar, Vocals
Butch Trucks: Drums
Jaimoe: Percussion
Warren Haynes: Guitar, Vocals
Allen Woody: Bass
Marc Quinones: Percussion, Backing Vocals

01. Statesboro Blues
02. End Of The Line
03. Blue Sky
04. Midnight Rider
05. Going Down The Road
06. Hoochie Coochie Man
07. Get On With Your Life
08. In Memory Of Elizabeth Reed
09. Revival
10. Whipping Post.

Sunday 20 April 2008

Eduardo Fernandez - Villa-Lobos: 12 Etudes, 5 Preludes - Ginastera: Sonata

El guitarrista uruguayo Eduardo Fernández comenzó sus estudios de guitarra a los 7 años, con Raúl Sánchez Arias; estudió luego guitarra con Abel Carlevaro, armonía y contrapunto con Guido Santórsola, y composición con Héctor Tosar. Obtuvo el primer premio en el concurso "Andrés Segovia" (Mallorca, 1975) luego de ser premiado en varios concursos internacionales (entre ellos, Porto Alegre, 1972, y Radio France, 1975). Su debut en New York, en 1977, tuvo gran repercusión (el "New York Times" escribió: "Raras veces hemos presenciado un debut más notable en cualquier instrumento"), y le lanzó a una carrera internacional. Su debut en el Wigmore Hall de Londres (1983) tuvo un impacto similar, y condujo a un contrato de grabación exclusivo con Decca/London. Desde entonces sus presentaciones incluyen, además de los EE.UU. (a donde retorna todas las temporadas desde 1977) y Europa, América Latina y el Lejano Oriente (Japón, Corea del Sur, Hong Kong, Taiwan, China, Tailandia, Singapur y Australia), recibiendo las mejores críticas de los más prestigiosos medios de comunicación.

Ha realizado 18 fonogramas y un video laser para el sello Decca/London, que incluyen una parte sustancial del repertorio guitarrístico, tanto de solos como orquestal. Muchas de sus grabaciones han sido destacadas como "mejores del año", entre otros por el "New York Times". También ha grabado para el sello ERATO, junto al violinista Alexander Markov un CD con obras de Paganini para violín y guitarra, y 2 CDs para DENON (Japón), en dúo junto al guitarrista japonés Shin-Ichi Fukuda, junto a quien ha actuado además en Asia, Alemania, Sudamérica y en el festival de La
Habana.

Grabó para el sello alemán ARTE NOVA, como artista exclusivo, dos CDs: las 4 Suites de Bach para laúd y un disco de obras del siglo XIX en instrumento original (guitarra romántica). Actualmente es artista exclusivo del sello Oehms Classics, también de Alemania, y un tercer CD de música sudamericana apareció en 2006. Grabó también, junto al barítono Carlos Carzoglio, el ciclo “La Bella Molinera” de Schubert, en su arreglo para guitarra, en un CD que estará disponible en 2008. Activo también como docente, fue catedrático de Guitarra en la Escuela Universitaria de Música de la Universidad de la República en Montevideo en el período 1982-1989, institución a la cual retornó para tareas de investigación desde octubre de 2000, en el Centro de Investigación de Interpretación Musical de la EUM.

Realiza regularmente masterclasses en varias las más importantes escuelas de música alrededor del mundo. Desde 2002 ha asumido la dirección del curso anual “Gitarre und Natur”, en Erlbach, Alemania (http://www.gitarreundnatur.de), y desde 2005 está participando como profesor invitado en los cursos de postgrado del conservatorio “Luigi Cherubini” de Florencia, Italia.
Su libro “Técnica, Mecanismo, Aprendizaje” sobre técnica y aprendizaje de la guitarra, fue publicado en 2000 por ART Ediciones en español, y la versión inglesa está publicada por Chanterelle Verlag (Heidelberg). Sus “Ensayos sobre las obras de J.S.Bach para laúd” han sido publicadas en español e inglés en 2003 por ART Ediciones. Un segundo volumen sobre Bach está en preparación.

También compositor, fue secretario de la rama uruguaya de la SIMC en el período 1993-1995, y miembro fundador de la rama uruguaya del CIM/UNESCO. Por encargo de la Gewandhaus de Leipzig transcribió para guitarra "Die Winterreise" de Schubert, y estrenó esta versión con el barítono Cornelius Hauptmann. También ha transcripto “Die Schöne Müllerin”, del mismo autor, y la ha grabado en un CD de próxima aparición. Ha realizado numerosos estrenos, y varias primeras grabaciones, entre ellas la de la "Sequenza XI", para guitarra, de Luciano Berio.
Se ha interesado también por la música antigua y por los instrumentos históricos, y ejecuta en guitarra romántica la música de la primera mitad del siglo XIX. Fue Director Artístico de los Festivales de Guitarra de Montevideo (realizados en 1996, 1998, 2000) y actualmente lo es del Encuentro Internacional de Guitarra de Bogotá (2000, 2001, 2002 , 2004 y 2006).


"Villa-Lobos: 12 Etudes, 5 Preludes - Ginastera: Sonata"












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Saturday 19 April 2008

Jon Anderson - Deseo 1994

La voz de Jon Anderson sumergida en la música sudamericana podría parecer un encuentro improbable, pero los ricos y vibrantes tonos de "Deseo" proveen un trasfondo sorprendentemente fresco para el cantante.
Acompañado por músicos sudamericanos (como por ejemplo Ruben Rada, Eduardo del Signore y Freddy Ramos del Uruguay), (Milton Nascimento del Brasil) el vocalista de "Yes" Parece apagar su voz para alejarse del ambiente en muchas de las grabaciones, reteniendo un sabor nativo con participaciones muy cortas de María Conchita Alonso, Boca Livre, Milton Nascimento, Ruben Rada y muchos otros. Las canciones, cuál generalmente el reloj adentro alrededor de tres y unos minutos de mitad, están calientes y upbeat, mezclando vocales en ingles, portugués, y español con percusión latina, guitarras acústicas, bajo, y los sintetizadores.
Las melodías son preciosas y atmosféricas, elementales pero evocativas. Las mejores huellas necesariamente no presentan a Anderson en un papel que tiene el papel principal: "A-DE-O, "Bridges", "Danca Do Ouro," y "Café" presentan al vocalista en un papel secundario, pero los oyentes se pueden encontrar también encantados por las armonías bellas para advertir su ausencia. Mientras el cantante toma plataforma en un número de canciones con resultados agradables - "This Child, Floresta," y especialmente "Bless This" (con Deborah Anderson) - unos cuantos que las huellas el permiso de ausencia Anderson expuso, notablemente el "Latino" ligero y lo imprudente adoptando una postura exagerada del "Amor Real" inaugural" Sin embargo, estos pasos en falso ocasionales son con holgura pasados por alto en lugar de los encantos innumerables del disco.
El artista había experimentado con sonidos mundiales en anteriores álbumes con sus compañeros de "Yes" - "Teakbois" de Anderson Bruford Wakeman Howe y "Angkor Wat" de Union come to mind - pero "Deseo" marca una voluntad genuina para dar un paso fuera de su idioma. Así, el contacto eléctrico entre Jon Anderson y la música en "Deseo" no está siempre claro, pero el cantante sabiamente comparte su sentido de descubrimiento con el oyente, dando la música (y no el músico) para dar brillo a su música.

01. Amor Real
02. A-DE-O
03. Bridges
04. Seasons
05. Floresta
06. Cafe
07. This Child
08. Dança Do Ouro
09. Midnight Dancing
10. Deseo
11. Latino
12. Bless This.

"Músicos"
Maria Conchita Alonso-Vocals
Deborah Anderson-Vocals, Choir, Chorus, Singer, Inspiration
Jon Anderson-Arranger, Keyboards, Vocals, Producer
Lourenco Baeta-Vocals
Francis Benítez-Vocals, Choir, Chorus, Singer
Birdsinging & Ronata
Cara Lee Day-Vocals, Choir, Chorus, Singer
Eduardo del Signore-Bass, Vocals, Assistant Producer, Composer's Assistant
Fernando Gama-Bass
Liza Gelabart-Vocals, Choir, Chorus, Singer
Girls of Puerto Rico-Vocals
Paul Haney-Saxophone
Jorge Laboy-Guitar
Boca Livre
Mauricio Maestro-Vocals
Vanessa Mixco-Vocals, Voices
Glenn Monroig-Vocals
Mountain Girls-Vocals
Milton Nascimento-vocals
Lorenza Ponce-Violin
Ruben Rada-Percussion
Freddy Ramos-Guitar
Otmaro Ruíz-Keyboards
Aaron Serfaty-Percussion
Nina Swan-Vocals, Choir, Chorus, Singer
Steve Thornton-Percussion
Cecil Toussaint
Cecilia Toussaint-Vocals
Valentina

Friday 18 April 2008

Alberto Magnone - Quimica 2001

"Alberto Magnone / Química 2001"


Alberto Magnone, Nació en el año 1946. Estudió piano y guitarra en Montevideo,donde comenzó su carrera profesional en 1968 .
En 1974 viajó a Buenos Aires donde estudió Armonía y Contrapunto con Rodolfo Alchourrón. En 1976 se trasladó a España donde fue profesor del Taller de Músicos y de la Escuela de Música de Zeleste de Barcelona y también en Seminarios Internacionales de Jazz de la misma ciudad, actuando también en muchos festivales europeos como Neuchatel, Ginebra, Madrid, Barcelona, etc.. En 1983 volvió a Uruguay, donde estudio piano con Miguel Marozzi y trabajó con Eduardo Mateo, Jaime Roos, José Carbajal El Sabalero, Fernando Cabrera, Laura Canoura, Osvaldo Fattoruso y Mariana Ingold entre otros.
También participó en múltiplesgrabaciones con todos ellos, En 1990 ganó el concurso de música inédita realizado ese año por la Intendencia Municipal de Montevideo.
Fruto de ello fue su primer fonograma "Vista Aérea". Dirigió y escribió música para la Orquesta Filarmónica y la Banda Municipal de Montevideo en diferentes ocasiones (1996, 1997 y 1998).
En este último año estrenó con la Filarmónica dirigida por el Mtro.
Federico García Vigil su "Fantasía para piano y Orquesta".
En 1999 grabó con Gustavo Nocetti el disco "Nocetti canta Ferrer".
En Julio de 2001 se editó su nuevo CD «Química», en el cual se busca una síntesis entre distintas corrientes de la música tales como jazz, tango, folclore, murga y candombe, caracterizada por la sonoridad conjunta del bandoneón e instrumentos jazzisticos como la trompeta y el fliscorno.
La música de este CD, que se puso a la venta en Julio de 2001, se ha presentado en múltiples ocasiones, en recitales efectuados en la Sala Zitarrosa, Café el Ciudadano, Academia Nacional del Tango de Buenos Aires, Festival de Tango de Buenos Aires 2003, Jazz Tour de Montevideo, Festival de Jazz de Lapataia, Festival de Cahors (Francia) 2006, entre otros.
Desde hace algunos años Alberto se dedica también a componer canciones.
Con su tango «Los Hijos de Gardel» ganó el premio AGADU en Composición del año 2000.
Este tema fue grabado en DVD por la Orquesta Filarmónica de Montevideo.
Últimamente Magnone escribió una operita que mezcla tango y otros géneros rioplatenses junto a Horacio Ferrer, quien le propuso este proyecto luego de presenciar una actuación del grupo de Alberto en la Academia del Tango de Buenos Aires, de la que es Presidente.
Esta obra está inspirada en Hamlet y a la vez en la tradición carnavalera del Uruguay, con sus personajes, música y atuendos y será presentada con producción del Depto. de Cultura de la Intendencia Municipal de Montevideo en el Teatro Solís en diciembre de 2007.

Magnone acompañado por los hermanos Ibarburu, el ''Nego'' Haedo y otros, ademas de musicos invitados como W ''Canario'' Luna y Laura Canoura.(2001)

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Monday 14 April 2008

Hermeto Pascoal - Ao vivo Montreux Jazz Festival(1979)DVD

Hermeto Pascoal / Ao vivo Montreux Jazz Festival(1979)DVD
Nombre Real: Hermeto Pascoal
Nacido en: Lagoa da Canoa (BRASIL)
Fecha de nacimiento: 1936.22 Junio



Hermeto Pascoal, (pianista, flautista, saxofonista y guitarrista), comenzó a tocar flauta con solo ocho años de edad y ya con 14 años era músico profesional en Recife. Junto con sus hermanos, todos albinos, comenzó a tocar el piano en la década de los cincuenta en formato de trío. En 1964, formó el "Sambrasa Trío" , con Airto Moreira y el bajista Humberto Clayber. En 1966, Airto Moreira, que tocaba en un grupo llamado "Trío Novo", con el guitarrista, Heraldo do Monte y el bajista, Theo de Barros, animó a Hermeto a unirse al grupo, formando así el grupo que le dio a conocer internacionalmente: "Quarteto Novo", uno de los mas importantes grupos de música instrumental de la historia de Brasil.
El grupo estaba provisto de una magnifica técnica y fue una de las claves
de la fusión del jazz con los ritmos brasileiros. En 1968, Hermeto Pacoal, escribe su primer arreglo orquestal para la música de Gudin que se estrena en el Festival de la Canción de TV bajo el titulo de "Choro do Amor Vivido".
Poco después, ya en los años setenta, recibe una invitación de Airto Moreira, para trasladarse a los Estados Unidos donde graba su primer disco para el sello "Cobblestone" titulado genéricamente "Hermeto".
Ya con una dilatada y reconocida experiencia, Miles Davis, le encarga algunos arreglos y de esa colaboración sale la invitación a que Hermeto Pascoal, colabore en la grabación del disco de Miles Davis, titulado "Live Evil".
Hermeto vuelve a Brasil en 1973 y graba un disco titulado: "A Música Livre De Hermeto Pascoal",
retornando en 1976 para los Estados Unidos, donde nuevamente graba otro disco titulado "A missa dos escravos". Hermeto Pascoal, es un compositor muy prolífico y tiene grabados cerca de 3000 canciones. Entre el 23 de junio de 1966 y 23 de junio de 1996, Hermeto escribe "Calendario do Som"; un total de 366 composiciones musicales, una para cada día del año en los mas diversos géneros, y que realizó con un tesón admirable, componiendo una canción por cada día.
Sus composiciones fueron interpretadas por la Orquestra Sinfónica de Brooklyn, la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, y otras por el estilo. Hermeto Pascoal, ha tocado con los mas grandes de la música brasileña e internacional, como Elis Regina, Ron Carter, o Raúl de Souza, y participó en el homenaje al gran bandoneista argentino, Astor Piazzola en Buenos Aires.

Sunday 13 April 2008

Aquellos Viejos Discos"Joni Mitchell"






Joni Mitchell / Shadows and Light Live 1980


Una de las principales cantautoras de la música moderna, su apostura independiente, su capacidad lírica de introspección emocional y contemplación sociocultural y su talento para fusionar diferentes texturas sónicas como el folk, rock, jazz, pop y la world music, la convierten en una de las figuras más emblemáticas e influyentes en la historia de la autoría femenina.

Joni Mitchell (cuyo nombre real es Roberta Joan Anderson) nació el 7 de noviembre de 1943 en Fort McLeod, Saskatchewan (Canadá).

Su iniciación en el mundo de la música se produjo en su temprana niñez, cuando aprendió a tocar la guitarra y a cantar mientras se hallaba convaleciente de una polio. Tras culminar sus estudios secundarios, Joni se trasladó a estudiar arte en Calgary, lugar en donde comenzó a interpretar música folk.
En 1965, tuvo a una hija en un flirteo sexual con un compañero de la Escuela de Arte, a la que acabó cediendo en adopción. Treinta años después se produjo el encuentro feliz entre madre biológica y descendiente ante la petición de Joni.
La modelo canadiense Kilauren Gibb afirmó que ella era esa hija perdida que la compositora había añorado durante tanto tiempo.

A mediados de la década de los 60 se marchó a Toronto, ciudad en la que conoció y se enamoró del cantante Chuck Mitchell. Joni se casó en 1965 con Chuck, adoptando de nombre artístico el apellido de su esposo. Ambos se dirigirían a Detroit, en donde actuaron con éxito en varios locales folk de la zona. Lamentablemente, en 1966 terminarían separándose.
Joni proseguiría su carrera como cantante y compositora en Detroit, actuando con posterioridad en la gran urbe de Nueva York, a donde se mudó en 1967.

Por esa época, también voló hacia Inglaterra, país en donde cautivó con sus sensibles interpretaciones.
Poco después de regresar a los Estados Unidos, firmó un contrato discográfico con el sello Reprise, grabando su album debut con producción de David Crosby (miembro de los Byrds).

La banda que la acompañó de gira incluía a las estrellas del jazz-fusión Pat Metheny, Lyle Mays, Michael Brecker, y Jaco Pastorius, quienes le otorgaron una considerable validez a las composiciones jazzy que Joni había estado componiendo durante los últimos cinco años. Cuando el tour finalizó, Mitchell comenzó a revisar las cintas de los conciertos realizados en Los Angeles, con la intención de editar su segundo disco en vivo y un film. El disco doble Shadows and Light, editado en septiembre de 1980, sería su último trabajo para Asylum Records; el film del mismo nombre, tuvo su premiere unos meses más tarde y fue editado en video y laserdisc en 1981.

01-Introduction
02-In France They Kiss On Main Street
03-Edith And The Kingpin
04-Coyote
05-Goodby Pork Pie Hat
06-The Dry Cleaner From Des Moines
07-Amelia
08-Pat's Solo
09-Hejira
10-Dreamland
11-Band Introduction
12-Furry Sings The Blues
13-Why Do Fools Fall In Love
14-Shadows And Light
15-God Must Be A Boogie Man
16-Woodstock.


Joni Mitchell: Voz y guitarra
Jaco Pastorius: Bajo
Pat Metheny: Guitarra
Lyle Mays: Teclados
Michael Brecker: Saxo
Don Alias: Bateria y Percusión
The Persuasions: Coros y Voces

Thursday 10 April 2008

Vitor Ramil




Vitor Ramil / Tambog en Español 2000


Vitor Ramil no es un músico paulista, carioca o nordestino. Es gaúcho : viene del sur de Brasil. Su acercamiento al público rioplatense comenzó a producirse hace casi diez años, pero no fue únicamente por los elementos comunes entre la gente de Río Grande do Sul y el Río de la Plata. Ramil se ganó a una platea local con canciones como "Não é Céu" y "Estrela, estrela" y, fundamentalmente, con un talento bien reflejado en sus discos.

Tal vez una charla previa, en su claro castellano heredado de un padre uruguayo y de abuelos españoles, permita entrar en el mundo musical de este artista del "otro" Brasil.

"Estoy todo contracturado de cargar las valijas. «Valijas» se dice, ¿no?", consulta horas después del arribo. Pero la charla es distendida y transita la variedad que mostrará en sus próximos recitales: los temas inéditos que piensa grabar con su socio percusionista, los discos producidos por Aznar, un par de CD que más adelante registrará con Corradini (basados en las milongas de Jorge Luis Borges), la idea de la "Estética del frío" que plasmó en el CD "Ramilonga" hace un lustro y que ahora es tema de debate de músicos del Uruguay y la Argentina. Algunos la llaman "templadismo" para manifestar denominadores comunes que tienen la influencia geográfica del llano, de la pampa, en sus músicas.

Especialmente en sus tres últimas placas, Ramil fue bastante conceptual con su labor. Publicó Ramilonga , con su reflexión acerca de esa estética del frío; luego Tambong , con influencias y aportes más variados, y después Longes , probablemente más relacionado con el primero de esta serie. "Me alegra que se vea así porque, para mí, Longes es como un Ramilonga electrónico. Pero alguna gente no comprende eso. Y en el próximo, la milonga va a estar en forma de canciones, sin el peso cultural ni el regionalismo. Este puede ser resumen de los discos anteriores. Tiene mucho más ritmo que Tambong , y el rigor conceptual de Ramilonga y Longes porque somos sólo nosotros dos [con Suzano]."

Ramil dice que no está al margen del centro musical del Brasil, sino en torno a otro centro, que es Porto Alegre. En mi infancia escuchaba decir que éramos más uruguayos que brasileños y no me permitía escribir canciones como las que grabé con Suzano. Pero todos tenemos derecho a la tradición brasileña.

-¿Y qué podés decir de esa conexión con Jorge y Daniel Drexler, y otros músicos a partir de una reflexión acerca de lo regional?

-Para mí empezó por una reflexión muy personal cuando vivía en Río de Janeiro. Fue un proceso de definición de cuestiones de identidad. Comencé a cuestionarme tanto el estereotipo brasileño como el gaúcho . Me di cuenta de que mi música no tenía una unidad y elegí la milonga como base. ¿Qué tenemos en común con Jorge o con su hermano? Influencias muy parecidas. Estamos en esta situación geográfica semejante. Somos gente abierta a todo y por algún motivo en las charlas descubrimos que hay un desafío de descubrir un lenguaje que unifique todo eso. Pero entre nosotros no se genera un movimiento, aunque hay nombres que suenan a oposición al tropicalismo. Pero para nosotros [los brasileños], el tropicalismo es algo que sucedió hace mucho tiempo, es como si quisieras hacer un movimiento de oposición a la historia de los 70.




Las originales canciones de este gran compositor y cantante, vestidas con los timbres más variados. Entre el folk, el pop, el jazz, la bossanova y la milonga.
Para destacar: la voz y las composiciones de Vitor Ramil, los bajos de Pedro Aznar, la percusión de Santiago Vazquez y el piano de Egberto Gismonti.

01 - Cielo No Es [part. Pedro Aznar]
02 - Espacio
03 - Prado Verde
04 - Um Dia Você Vai Servir a Alguém
05 - Fue el Mes que Viene [part. Egberto Gismonti]
06 - El Viejo Leon y Natália en Coyoacán
07 - La Ilusión de la Casa [part. Chico César]
08 - Valérie
09 - Só Você Manda em Você
10 - Subte [part. Pedro Aznar]
11 - Para Lindsay
12 - Estrella, Estrella
13 - À Beça
14 - Quiet Music.


MÚSICOS

Vitor Ramil: guitarra acústica, piano, composición y voz
Pedro Aznar: bajo eléctrico, contrabajo, guitarras, voz, piano y producción musical
Santiago Vazquez: percusión, doudouk, khene, mbira, tablas, batería y berimbao


MÚSICOS INVITADOS

Egberto Gismonti: piano
Lenine: guitarra y voz
Chico Cesar: voz
Joao Barone: batería
Katjia Bronstein: coros
Carlos Lastra: saxo soprano
Enrique Norris: corneta

CUERDAS

Damian Bolotin: violín
Raul di Renzo: violín
Gabriel Falconi: viola
Patricio Villarejo: cello


FICHA TÉCNICA

Grabado y mezclado entre febrero y abril del 2000 por Pedro Aznar en estudios Marina Sound en Buenos Aires. Grabaciones adicionales en Rio de Janeiro en estudios Gorila e Fibra. Masterizado por Eduardo Bergallo en Mr Master. Diseño gráfico de Tatiana Sperhacke y Vitor Ramil. Fotos de Facundo de Zuviría. Producción ejecutiva de Branca Ramil

(WebSite)

Carlos Santana & Jorge Santana







"Santana Brothers 1994"



Éste es un álbum de un trío familiar de Carlos Santana, su hermano Jorge, y su sobrino, Carlos Hernandez.














01-Transmutation/Industrial
02-Thoughts
03-Luz, Amor y Vida

04-En Aranjuez con Tu Amor

05-Contigo (With You)
06-Blues Latino

07-La Danza

08-Brujo

09-The Trip

10-Reflections

11-Morning in Marin


Myron Dove-Bass
Carlos Hernandez-Guitar
Karl Perazzo-Percussion, Conga, Drums, Timbales
Walfredo Reyes-Drums
Carlos Santana-Guitar, Percussion, Drums, Producer
Jorge Santana-Guitar, Producer.

Tuesday 8 April 2008

Aquellos Viejos Discos (Astor Piazzolla - Horacio Ferrer)


“Astor Piazzolla - Horacio Ferrer/En persona (1970)”
(Solos de bandoneón y recitados)
01) Fábula para Gardel.
02) Canción de las venusinas.
03) Te quiero, che.
04) Chiquilín de Bachín.
05) Balada para él.
06) Balada para mi muerte.
07) Balada para un loco.
08) La última grela.
09) Juanito Laguna ayuda a su madre.
10) Preludio para la Cruz del Sur.


Monday 7 April 2008

Candombe





"Candombe de Llamadas 2004"



¿POR QUIÉN DOBLAN LOS TAMBORES? Las llamadas se han transformado en un elemento cultural y turístico del carnaval uruguayo, sin embargo pocos conocen el verdadero significado de este toque de tambores tan particular, así como de los bailes y personajes de la comparsa. Este movimiento de apariencia netamente cultural fue la forma que encontraron los afrodescendientes para continuar sus ritos religiosos en una sociedad occidental que cuestionó y aún cuestiona su forma de vestir, su color de piel y sus creencias. Aunque para la mayor parte de los uruguayos el candombe es simplemente un ritmo musical uruguayo, los tambores encierran otro gran misterio que nace en África y que tiene más que ver con lo religioso que con lo cultural.

TRIBUTO A LOS ORIXAS El tipo de toque que se utiliza en las Llamadas, es para las religiones afro un toque ritual denominado "Lamento o Toque de lanza". Este ritmo es utilizado por los afrodescendientes ara rendir culto a sus ancestros. inzá es para ellos "el orixá que cuida las almas de los que ya partieron" y el "Toque de lanza" la forma en que se le rinde culto a este orixá. Las religiones africanas consideran que los elementos de la naturaleza tienen energía pro¡ veneran a esas energías a las que denominan orixá. Así que lanza es la energía encargad cuidar las almas de sus ancestros. Tiempo atrás, los templos permanecían cerrados y con las velas apagadas durante la época de Carnaval, debido a que las religiones de origen africano entienden que cuando suena este toque los templos deben permanecer en "señal de luto". Sin embargo, con el paso de los años, las festividades de carnaval en nuestro país se han extendido, por lo que la costumbre de cerrar los templos se ha ido dejando de lado, y en la actualidad se limita a mantenerlos cerrados el día en que se realiza el desfile de Llamadas porque se cree que no es un momento propicio "para mover energías".

EL TAMBOR Y LOS PERSONAJES Por fonética los términos candombe y candomblé pueden ser inmediatamente asociados, y realmente tienen significados similares. Candombe es una reunión social donde se toca e! tambor y se baila, mientras que candombié refiere a las reuniones de carácter ritual en las que también están presentes ios tambores y las danzas. Para las religiones africanas el tambor es un elemento sagrado, que es tratado de acuerdo a sus creencias. Fernando de Oxalá explica que los tambores que se utilizan en las comparsas son de origen africano, y tanto su forma física como el modo en que se tocan son similares a los tambores que se utilizan en las sesiones religiosas. Las Mama Viejas y sus esposos representan a los Reyes Congo. Si hacemos memoria, advertimos que las vestimentas que caracterizan a estos dos personajes son básicamente occidentales (enaguas, encajes y sombrilla para ella; frac, galera y bastón para él). La explicación en que los esclavos solían tomar las ropas de sus amos con el fin de sentirse similares a ellos. El Gramillero es la representación del orixá que conoce los poderes de las hierbas y los utiliza para sanar, y es común que éste aparezca en escena con un maletín replet sanadoras. El Escobillero representa al orixá que limpia y abre los caminos por lo que su forma de bailar y mover la escoba emula las formas de "limpie se utilizan en estas religiones. También los colores con los que se visten la su origen en África, ya que éstos representan a las naciones (tribus) de las ancestros. A su vez, estos colores refieren a los orixás que rigen a los grup tiempo, las comparsas han incorporado nuevos personajes que no tienen s aspectos religiosos, como las vedettes y bailarines, con el único fin de ofrecer un producto mas comercial a los ojos del consumidor no afro".

ESCONDER LAS RAICES La incomprensión de la sociedad hacia los cultos diferentes a los católicos racial "obligó a los pueblos afro a ocultar sus raíces o disfrazadas con el fin de poder seguir practicándolas solapadamente". Las primeras Llamadas se realizaron en nuestro pais durante el Montevideo Colonial. En ese entonces solían hacerse los 6 de enero, día que se daba libre a los esclavos para que pudieran celebrar. La danza y el tambor se convirtieron en sus grandes cómplices para mantener escondidos sus propios ritos. La tradición se fue extendiendo hasta llegar a incorporarse en las festividades de Carnaval, lo que obligó a las comparsas a "darle un sentido más comercial a sus ritmos y personajes"

(Ana Laura De Brito) (nota que publicó en el diario La República durante el carnaval del 2002)

Fuente: Fernando de
Oxalá del Consejo de estudios y difusión de las culturas y religiones africanas y amerindias.



Sunday 6 April 2008

Aquellos Viejos Discos - Fingers (1973)

"Airto Moreira / Fingers (1973)"
1970s fueron los mejores años para Airto Moreira no solamente por su asociación con el Return to Forever de Chick Corea y el trabajo con su esposa con quien Flora Purim 's Milestone, sino que también, por el excelente trabajo generalmente que él hizo bajo la supervisión de Creed Taylor en CTI de 1972-74. Una de las cinco estrellas que el percusionista brasileño registró para CTI fue Fingers, lo cual emplea a Purim en la percusión y vocals, David Amaro en guitarra , Hugo Fattoruso en teclados y armónica, Jorge Fattoruso en batería y Ringo Thielmann en bajo eléctrico. Producido por Taylor y grabado en el estudio del famoso Rudy Van Gelder en Nueva Jersey , este LP demuestra justamente cómo la fusión puede ser tan creativa en los 1970s. Cuando Moreira y sus colegas matizan jazz con música brasileña, la rock y Funk en arreglos como "Wind Chant, Tombo en 7/4" y "el Romance de Death," los resultados consistentemente se enriquecen. "Fingers" es un álbum excelente para difrutar.


1. Fingers - 4:33
2. Romance of Death - 5:35
3. Merry-Go-Round - 2:47
4. Wind Chant - 5:51
5. Ranana - 6:04
6. San Francisco River (Moreira/Purim) - 4:11
7. Tombo in 7/4 (Moreira) - 6:23



Airto Moreira - Percussion, Drums, Vocals
David Amaro - Guitar (Acoustic), Guitar, Guitar (Electric), Guitar (12 String)
Hugo Fattoruso - Harmonica, Keyboards, Vocals
Jorge Fattoruso - Drums, Vocals
Rudy Van Gelder - Engineer
Flora Purim - Percussion, Vocals
Creed Taylor - Producer
Ringo Thielmann - Bass, Vocals
Date of Release Apr 1973

O. Vanoni ,Toquinho,V.De Moraes - La Voglia,la Pazzia (1990)

"O.Vanoni ,Toquinho,V.De Moraes/La Voglia,la Pazzia (1990)"01.Senza Paura (Sem Medo)
02.La Rosa Spogliata (A Rosa Desfolhada)
03.Samba Della Rosa (Samba De Rosa)
04.Samba In Preludio (Samba Em Preludio)
05.Anema E Core
06.La Voglia La Pazzia (Se Ela Quisesse)
07.Semaforo Rosso (Sinal Fechado)
08.Assenza (parlato)
09.Io So Che Ti Amero' (Eu sei que vou te amar)
10.Un Altro Addio
11.L'Assente (parlato)
12.L'Assente (parlato e chitarra)
13.Accendi Una Luna Nel Cielo (Acende Uma Lua No Ceu)
14.Samba Per Vinicius (Samba Pra Vinicius)

Saturday 5 April 2008

Aquellos Viejos Discos (Max Roach)




"Max Roach"
Maxwell Lemuel Roach (New Land, 1925) verdadero nombre del gran baterista, Max Roach, se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tocando en una marching band, cuando solo tenia 8 años. Su madre, cantante de gospel, le aconseja abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión, y a renglón seguido se matricula en el Manhattan Conservatory of Music, del que se graduó en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie. En 1942 los clubes de la Calle 52, hervían musicalmente gracias al sonido nuevo que Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke, estaban inventando en esos momentos y que denominaban bebop. Max Roach, y su amigo, Bud Powell, se sumergieron en ese ambiente y se impregnaron de las concepciones modernas. Cuando el baterista, Kenny Clarke, fue movilizado por el ejercito en 1943, y trasladado al frente de Europa, Max Roach, que actuaba regularmente en el club "Kelly's Stables" acompañando a Coleman Hawkins, fue elegido por Parker y compañía para formar parte de esas jam session en el Minton's Playhouse y el Monroe's, principalmente.

Fue Coleman Hawkins, quien le proporcionó su primera sesión de grabación en febrero de 1945, grabando para la casa "Apollo" la primera versión de "Woody'n You". En 1945, Max Roach, no pudo participar en los discos que Parker y Gillespie grabaron juntos, por haberse marchado de gira con la orquesta de Benny Carter. En otoño de 1945, de vuelta Parker, a New York pasó, ahora sí, a formar parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con el que actuaban regularmente en el club "Three Deuces". A finales de Noviembre de 1945, graba con ellos los famosísimos temas emblemáticos del bebop: "Billie's Bounce" y "Now's The Time", e inmediatamente se integró en el primer y efímero proyecto de bigband intentado por Dizzy Gillespie. Tras la gira de Parker y Dizzy por California, Max Roach se queda en New York, tocando en la Calle 52 junto a Jay Jay Johnson, Dexter Gordon y otros músicos y a la salida de Parker de Camarillo se unió a su quinteto, paradigma del bebop, con el trompetista, Miles Davis, y él mismo como miembros fijos con Duke Jordan, sustituido en ocasiones por Bud Powell o John Lewis, y los contrabajistas: Tommy Potter, Curly Russell y Nelson Boyd sucesivamente. Los extraordinarios discos de Savoy y Dial de 1947 y 1948 recogen esos innovadores patrones rítmicos.

En 1949, viaja con Parker a Europa para participar en el Primer Festival de Jazz de Paris, y también en el histórico concierto del "Massey Hall" de Toronto en 1953 que edita el sello "Debut", fundado por Charles Mingus. En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hardbop que en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hardbop y de la década, grabando para el sello "Emarcy" toda una serie de discos excepcionales. Tras el trágico accidente de Clifford Brown, que le costó la vida, en 1956, y tras un tiempo tocando sólo en trío con el contrabajista, George Morrow y el tenor, Sonny Rollins, reconstruye el quinteto con el trompetista, Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos y en julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista, Booker Little. Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, mas tarde, se convertiría en su esposa. En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el extraordinario disco "We Insist! para el sello Candid, un alegato contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un bar con gesto amenazante hacía sus dos clientes negros.

En septiembre de 1962, graba junto a Duke Ellington y Charles Mingus, un disco extraordinario titulado "Money Jungle" y liderado por el "Duke" donde expresan, en forma de trío, todos los conceptos del nuevo sonido del jazz y donde Ellington, demuestra que su arte no se limita a la éra del swing. Max Roach, tampoco desdeñó enfrentarse a dúo con algunos de los mas significativos vanguardistas del jazz. Así graba entre 1976 y 1984 con Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, Cecil Taylor y otros. Max Roach, es, no sólo uno de los mejores solistas de la historia de la batería, técnicamente formidable, solista exquisito utilizando la batería de forma análoga a cualquier otro isntrmneto solista, sino que su curiosidad musical le ha llevado a explorar con gran originalidad la tradición afroamericana para convertirla en referencia obligada en el jazz moderno.


"The Max Roach Trio,Featuring the Legendary Hasaan,1964"
1-Three-Four Vs. Six-Eight Four-Four Ways
2-Off My Back Jack
3-Hope So Elmo
4-Almost Like Me
5-Din-Ka Street
6-Pay Not Play Not

Dec 4, 1964,Dec 7, 1964.

Jorge Barral




"Jorge(Flaco)Barral"
Jorge Barral integró dos de las bandas más importantes del rock nacional como Opus Alfa y Días de Blues. Por fuera de éstas experiencias grabó un disco áspero, de despedida. La desolación de Barral se divisaba desde “Esto sigue igual” y “Corazón triste”. Simultáneamente el exilio es un tópico frecuente en sus composiciones, como “Se va muriendo mi aldea”, o su carta de despedida titulada “Chau”: “Chau a los veinticinco que entendieron algo de lo que hacía Días de Blues/ gracias a los mil quinientos que sin entender nada fueron a vernos y aplaudieron, boludos”. Coronando su indefectible despedida con la frase: “El último que se vaya que apague la luz”.


"30 Años de música Uruguaya/Jorge Barral"

1)Hoy el sol acaricia (J. Barral)
2)No todo es blanco ni es negro (J. Barral)
3)Esto sigue igual (J. Barral)
4)Yo (J. Barral)
5)No dejes de reír niño J. Barral)
6)Te veo en visiones (Pedro Barral, letra - J. Barral, música)
7)Se va muriendo mi aldea (J. Barral)
8)Chau (J. Barral)


La grabación:

Jorge "Flaco Barral ( todos los instrumentos y todas las voces)
Grabado en los Estudios Sondor en Marzo de 1973
Ingeniero: Hugo Manzini
Producción musical: Hamlet Faux - Estevan Leivas - J. Barral
Productor ejecutivo: De la Planta

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